3 способа развития в музыке

В этой статье рассмотрим 3 способа развития в музыке.

Как известно, основная проблема начинающих композиторов — это неумение довести идею до законченного вида, развить из простого зерна законченную композицию.

Почему так происходит?

Ответ расстроит любителей теории таланта.

Музыкальную идею, будь то мелодия, гармоническая последовательность, ритм, может сочинить кто угодно. Для этого не нужны знания и навыки. Достаточно просто наслушенности и желания. За этот процесс отвечает неосознаваемое.

А вот за приведение идеи в форму отвечает рациональное, осознанное. Тут нужно уже уметь расчленять, разделять и превращать идею в бесконечный поток музыкальных событий.

 Это отличает композитора, например, от сонграйтера

 Можно всю жизнь писать песни, не зная вообще ничего, потому что суть песенной формы — это экспозиционность, то есть изложили основную мысль и на этом закончили.

В любой другой музыке, которая чуть сложнее простой песни, нужно не только высказать идею, но и раскрыть её с разных сторон. Кстати, у хороших сонграйтеров типа Стинга, Билли Джоела или Пола Саймона это работает и внутри песенной формы.

Вся музыка, от классики до мейнстримовой музыки, джаза, фьюжна, использует три метода развития музыкальной идеи. Здесь я не считаю повторность, хотя это тоже в каком-то смысле метод развития.

1. Вариационность

2. Вариантность

3. Развитие (разработка)

Вариационность — это способ изменения музыкального материала, при котором изменяются элементы, не определяющие саму суть музыкального высказывания. Обычно это динамика, фактура, плотность звучания, агогика, регистр. Например, вы играете мелодию, но добавляете к ней мелизмы, где-то играете две ноты вместо одной, где-то добавляете пассаж, где-то заполняете паузу гаммой или арпеджио, но сама мелодия легко угадывается.

Вариантность изменяет уже более важные элементы мелодии, такие как лад, гармония, синтаксис, форма. В этом случае от мелодии может остаться только какой-то один элемент, например ритм, лад. Обычно используются схожие начала мелодических фрагментов, мотивов, либо проводят один мотив в разных метрических положениях. Здесь главное — это сохранение прообраза, интонации.

Выдержка из Асафьева:

«Пользуясь этим понятием (вариант) в отличие от инструментальных орнаментальных вариаций. В вариантах мы имеем дело не с неизменным костяком, на котором расцветает орнамент, а с преобразованиями (растяжениями и стягиваниями, сокращениями мелодической линии)». Вариационность в узком понимании подразумевает под собой «орнаментальную, фигурационную раскраску темы, не изменяющую её структуру, форму».

Вариантность может полностью изменить интервальный облик мелодии, не предполагая её ритмического дробления на всём протяжении формы. Вариантность есть «совмещение свободы преобразований с сохранением целостности и близкой образной связи».

Также саму вариантность принято делить на два типа.

Первый предполагает сохранение синтаксиса и метроритма темы, на которые уже накладываются изменения лада, гармонии и других элементов.

Второй тип более свободный, допускающий свободные трансформации материала вплоть до его структуры при обязательном сохранении начального тематического зерна.

Если в вариациях и вариантности важно сохранение основы изначальной идеи, то в развитии (разработке) это не имеет большого значения. В каком-то смысле можно сказать, что разработка — это усложнённый и полностью освобождённый от каких-либо границ вариантный метод развития, сосредоточенный на создании постоянной нестабильности. В разработке материала может использоваться любой из приёмов развития музыкальной мысли, но чаще всего это дробление материала на самые мелкие элементы, преобразование этих элементов, растягивание, сжатие, изменение интервальной, ритмической, синтаксической, гармонической структур. Мелодия может быть разрезана на отдельные куски, которые затем разворачиваются задом наперёд и разворачиваются интервально в обратную сторону.

Естественно, при такой работе над материалом слух уже не угадывает изначальную основу. Однако мастерство композитора как раз и заключается в том, чтобы создать общность в звучании материала с помощью разных композиционных приёмов.

Важно то, что в разработке приёмы развития могут бесконечно мультиплицироваться. То есть можно взять мелодию, затем её варьировать, из этого варьирования сделать вариант, вариант разбить на фрагменты, изменить в этих фрагментах интервальную и ритмическую структуру, затем получившиеся фрагменты варьировать, затем превратить в вариант, вариант разбить на фрагменты и так до бесконечности. В этом случае одной идеи достаточно для того, чтобы написать целую симфонию.

В следующих статьях подробнее поговорим про каждый метод развития музыкальной мысли и технические особенности композиционной работы.

P.S. Уже в конце написания статьи понял, что не упомянул важное — композитор и аранжировщик отличаются только в одном, с позиции темы статьи. Композитор генерирует и развивает идею, а аранжировщик только развивает уже данную ему идею (если только он сам не автор, но это уже другая история). Поэтому для аранжировщика методы развития — это, собственно, и есть инструменты аранжировки. А вообще про два фундаментальных элемента любой аранжировки попозже тоже поговорим.