Как не надо выстраивать форму

Почему принцип мозайки или конструктора очень плохо работает в музыкальной форме?

Тема, о которой мы сегодня поговорим, будет касаться построения музыкальной формы и конкретно обсудим самый простой и плохо работающий принцип построения формы.

Как правило, музыканты, начинающие сочинять музыку или песни, копируют форму из музыки, которая им нравится. При этом часто у них нет понимания того, по каким законам работает форма, почему одна часть идет за другой, почему в одной части использованы определенные аккорды, а в другой определенный ритм и т.д.

В результате, в лучшем случае, получаем музыкальные зарисовки, которые просто втиснуты в рамки абстрактной, позаимствованной формы.

Ранее я уже касался этой темы и говорил о том, что, в крупных разделах, форма чаще всего универсальна, а индивидуальность проявляется на уровне мелких построений (мотивы, фраз и т.д.). Иначе все песни, которые мы слышим, звучали бы одинаково. Однако даже песни, написанные в простой, куплетной форме, редко бывают похожи. Например, вспомните такие песни, как Sunny и I will Survive. Песни одинаковой формы, но очевидно абсолютно разные по звучанию.

Кроме того, очень часто музыканты не имеют представления о приемах объединения и создания музыкального материала. В результате получается очень распространенная проблема, с которой я сталкивался и в среде рок-музыкантов и в среде музыкантов, которые делают электронную музыку.

Суть ее состоит в том, что музыкант может сочинить небольшой фрагмент формы. Например, куплет, припев, рифф, соло-партию, но не знает, что делать с ним дальше.

Что в этом случае чаще всего делают музыканты?

Правильно. Они сочиняют кучу фрагментов и соединяют друг с другом в некое подобие формы.

Это как если бы вам дали детали неизвестного предмета и сказали, что их нужно собрать в единое целое. При этом не сказали бы о том, что в этом наборе есть лишние детали:)

Легко представить, что получилось бы в итоге.

Примерно также звучат музыкальные эскизы, собранные из отдельных фрагментов, которые связаны только тональностью или аккордовой последовательностью.
Так как начинающие авторы не понимают методов работы с повторениями, контрастностью, то они выбирают либо повторения, либо бесконечную контрастность в виде наслоения несвязных фрагментов.

Чтобы было понятно, обратимся к искусству кинематографа. Представьте, что вы смотрите фильм, в котором каждые 5-10 минут вводится новый герой.

Это контраст. Но если постоянно вводить новых персонажей, то в конечном итоге вы потеряете всякую повествовательную нить и сюжет как таковой.

Или представьте фильм, в котором есть только один герой, который каждые 5 минут начинает говорит одну и ту же реплику.

В музыке как и в любом другом виде искусства важны контрасты, повторения и еще десяток других важных элементов, которые нужно знать.

Можно ли их постигнуть интуитивно?

Если вы сочиняете очень простую музыку в одной и той же форме, то да. Пару лет анализа, набивание шишек и вы сможете построить простую форму, но выйти за ее рамки будет очень сложно.

Проблема в том, что музыку невозможно собирать как конструктор. Все, что вы можете получить таким образом это музыкальный эскиз, набор зарисовок, но не цельную, единую форму, которая работает в единстве с содержанием.

При этом не нужно думать, что это относится только к какой-то сложной музыке.

Форма современной песни не так проста, как это кажется, так как она работает на уровне мелких построений и требует отличного понимания методов развития, контраста и т. д.

Поэтому вместо того, чтобы учиться сочинять отдельные фрагменты, лучше сразу же привыкать к построению цельной формы, на основе 1-2 базовых интонаций, мотивов, простых фраз.

Проанализируйте музыку, которая вам нравится: не просто с позиции крупных разделов (куплет, припев), но посмотрите, как работает музыка внутри каждой структуры, а также как они взаимодействуют друг с другом на уровне гармонии, мелодики, ритма.

Это первый шаг к построению отличной формы для вашей музыки.