О пользе ограничений в творчестве

В прошлой статье я писал про ограничивающие нас убеждения и установки, которые мешают развитию техники игры на примере одного из популярных параметров техники, а именно скорости-темпа.

Однако у любой стороны всегда есть две медали и ограничения могут обладать огромным потенциалом для стимулирования Вашего творческого развития.

Ограничения можно использовать, как в процессе занятий на инструменте, так и в процессе создания произведения. Частично про ограничения я писал уже здесь.

В этой статье я хочу предложить несколько способов, которые можно активно использовать не только в учебных целях, но и для поиска новых оригинальных идей.

Суть любого ограничения в том, что оно позволяет нам выйти за рамки комфорта и заставляет нас делать привычные вещи необычным способом. Любой даже самый гениальный музыкант не может избежать работы с шаблонами. Это можно встретить и у Баха, Бетховена и у любого современного композитора.  Вы можете попасть в рамку шаблонов очень легко – например, большинство аранжировок делается по шаблону, то есть автор изначально знает, как он расположит инструменты, какой бит нужен, как должен играть бас и т.д.  Большинство использует стандартные прогрессии, лады и ритмы.

Вот здесь, как правило, и отключается творческое мышление.

В чем причина?

Во-первых, элементарная экономия времени. Если у Вас много работы, то  Вы начинаете делать музыку, что называется левой пяткой. И до определённой поры талант и наработанные фишки будут звучать хорошо, но затем  Вы начнете звучать предсказуемо. Это также можно увидеть по тому, как многие рок-группы делают аранжировку песни. Большинство музыкантов будет играть привычные для них ходы и партии и только единицы напишут партитуру для того, чтобы выявить ошибки в партиях и голосоведении. Это конечно тема отдельной статьи, но суть, думаю понятна.

Во-вторых, это маркетинг.

В интернете целая армия людей, которые встают в ряды последователей одного направления и изучают каноны жанра. Но проблема в том, что сами создатели жанра никогда не думают о том, что они работают в каком-либо жанре. Для настоящего музыканта всегда оскорбление причислять себя к одному жанру. Зато с точки зрения маркетинга очень выгодно, чтобы каждая музыкальная пьеса стояла на своей полке. Это неплохо, но если Вы хотите развиваться, Вы должны найти свою “полку”.

Вы можете сказать – так ведь шаблоны это тоже ограничения. И будете правы – поэтому мы и должны использовать одни ограничения, чтобы избавиться от других.

Итак, рассмотрим некоторые примеры использования ограничений.

Самое простое – это ограничение художественных средств. Например, поставьте себе цель написать музыку (песню, мелодию) на один или два аккорда. Существует большое количество песен построенных на одном аккорде.

Если же Вы работаете в жанре, где нет аккордов или используется минимум гаромнии, то попробуйте написать мелодию на гармонию из 16 и более аккордов.

Суть в том, что Вы выходите за рамки.

Пишите всегда в 4/4? Тогда работайте 7/8 или 3/16. Главное помнить о музыкальности и не превращать эти ограничения в сухие упражнения.

Можно написать песню, состоящую из одной фразы. Есть удачные примеры и таких композиций.

Можно задать определенные параметры для создания мелодии – например, ритм, ограничение нот, диапазона и т.д.

Ограничивайте Вашу аранжировку по количеству инструментов.

Это также решить проблему большинства music maker.

Раньше композиторы всегда исходили из возможностей состава инструментов. Например, квартет, квинтет, рок-группа. Когда Вы знаете количество инструментов,  для которых пишите, Вас не будет заботить вопрос – “а чтобы еще добавить в аранжировку?”. В результате Вы сможете сконцентрироваться на функциях голосов в Вашей аранжировке.

Как на счет того чтобы написать пьесу для контрабаса и флейты?

Экспериментировать можно до бесконечности. Здесь и искусственные лады, и смещение стилей.

Как Вы понимаете  каждый может придумать бесконечное количество идей в данной области. Еще раз подчеркну, что самое главное это научиться видеть свои проблемы и ставить такие ограничения, которые будут способствовать Вашему развитию.

И в конце несколько слов об ограничениях при занятиях на инструменте. Здесь мы должны ограничивать себя в количестве времени, которое тратим на отработку упражнений. Важно также ограничивать количество навыков, которые Вы развиваете с помощью упражнений. То есть одно упражнение должно быть направленно на развитие одного вида техники.

 

 

»crosslinked«

7 thoughts on “О пользе ограничений в творчестве

  1. Реальную пользу ограничений почувствовала на себе, когда преподаватель по импровизации учил нас сначала пользоваться только аккордовыми тонами. Очень развивает слушанье нот, и к тому же удивило, что клёвые фразы зачастую строятся именно на нотах арпеджио, а всё дело просто в ритмической организации.

  2. Да, эта статья как раз вышла к Великому Посту — про ограничения)))Ну а если серьёзно, то во многом ты прав, Денис. В музыке, искусстве большое значение имеют ограничения, достаточно вспомнить как изучается гармония в учебных заведениях — сначала ничего нельзя, потом постепенно всё можно. Ну ты меня понимаешь. Ну а в творчестве тем более, очень трудно удержаться на нужной, достаточной грани ограничения, чтобы к примеру не перегрузить ту же аранжировку излишествами («улучшениями»), и т.д. Спасибо, хорошая статья

  3. Уважаемый Денис. Я — профессиональный музыкант, не заканчивавший композицию. Меня интересует побольше любых тем, [которые, возможно, скорей всего, не приемлемы в эстрадной музыке, т.е.при сочинении песен (а я пишу академическую музыку)], заключённых в различные варианты гармонии, желательно с разъяснением. Можно было бы даже устроить форум-соревнование, кто-то даёт тему (естественно, оформленную: с размером, темпом, артикуляцией), а остальные участники пробуют её гармонизовать, и Вы. как третейский судья, указываете на возможные ошибки.

Добавить комментарий