О пользе ограничений в творчестве

В прошлой статье я писал про ограничивающие нас убеждения и установки, которые мешают развитию техники игры на примере одного из популярных параметров техники, а именно скорости-темпа.

Однако у любой стороны всегда есть две медали и ограничения могут обладать огромным потенциалом для стимулирования Вашего творческого развития.

Ограничения можно использовать, как в процессе занятий на инструменте, так и в процессе создания произведения. Частично про ограничения я писал уже здесь.

В этой статье я хочу предложить несколько способов, которые можно активно использовать не только в учебных целях, но и для поиска новых оригинальных идей.

Суть любого ограничения в том, что оно позволяет нам выйти за рамки комфорта и заставляет нас делать привычные вещи необычным способом. Любой даже самый гениальный музыкант не может избежать работы с шаблонами. Это можно встретить и у Баха, Бетховена и у любого современного композитора.  Вы можете попасть в рамку шаблонов очень легко – например, большинство аранжировок делается по шаблону, то есть автор изначально знает, как он расположит инструменты, какой бит нужен, как должен играть бас и т.д.  Большинство использует стандартные прогрессии, лады и ритмы.

Вот здесь, как правило, и отключается творческое мышление.

В чем причина?

Во-первых, элементарная экономия времени. Если у Вас много работы, то  Вы начинаете делать музыку, что называется левой пяткой. И до определённой поры талант и наработанные фишки будут звучать хорошо, но затем  Вы начнете звучать предсказуемо. Это также можно увидеть по тому, как многие рок-группы делают аранжировку песни. Большинство музыкантов будет играть привычные для них ходы и партии и только единицы напишут партитуру для того, чтобы выявить ошибки в партиях и голосоведении. Это конечно тема отдельной статьи, но суть, думаю понятна.

Во-вторых, это маркетинг.

В интернете целая армия людей, которые встают в ряды последователей одного направления и изучают каноны жанра. Но проблема в том, что сами создатели жанра никогда не думают о том, что они работают в каком-либо жанре. Для настоящего музыканта всегда оскорбление причислять себя к одному жанру. Зато с точки зрения маркетинга очень выгодно, чтобы каждая музыкальная пьеса стояла на своей полке. Это неплохо, но если Вы хотите развиваться, Вы должны найти свою “полку”.

Вы можете сказать – так ведь шаблоны это тоже ограничения. И будете правы – поэтому мы и должны использовать одни ограничения, чтобы избавиться от других.

Итак, рассмотрим некоторые примеры использования ограничений.

Самое простое – это ограничение художественных средств. Например, поставьте себе цель написать музыку (песню, мелодию) на один или два аккорда. Существует большое количество песен построенных на одном аккорде.

Если же Вы работаете в жанре, где нет аккордов или используется минимум гаромнии, то попробуйте написать мелодию на гармонию из 16 и более аккордов.

Суть в том, что Вы выходите за рамки.

Пишите всегда в 4/4? Тогда работайте 7/8 или 3/16. Главное помнить о музыкальности и не превращать эти ограничения в сухие упражнения.

Можно написать песню, состоящую из одной фразы. Есть удачные примеры и таких композиций.

Можно задать определенные параметры для создания мелодии – например, ритм, ограничение нот, диапазона и т.д.

Ограничивайте Вашу аранжировку по количеству инструментов.

Это также решить проблему большинства music maker.

Раньше композиторы всегда исходили из возможностей состава инструментов. Например, квартет, квинтет, рок-группа. Когда Вы знаете количество инструментов,  для которых пишите, Вас не будет заботить вопрос – “а чтобы еще добавить в аранжировку?”. В результате Вы сможете сконцентрироваться на функциях голосов в Вашей аранжировке.

Как на счет того чтобы написать пьесу для контрабаса и флейты?

Экспериментировать можно до бесконечности. Здесь и искусственные лады, и смещение стилей.

Как Вы понимаете  каждый может придумать бесконечное количество идей в данной области. Еще раз подчеркну, что самое главное это научиться видеть свои проблемы и ставить такие ограничения, которые будут способствовать Вашему развитию.

И в конце несколько слов об ограничениях при занятиях на инструменте. Здесь мы должны ограничивать себя в количестве времени, которое тратим на отработку упражнений. Важно также ограничивать количество навыков, которые Вы развиваете с помощью упражнений. То есть одно упражнение должно быть направленно на развитие одного вида техники.

 

 

»crosslinked«

  1. Реальную пользу ограничений почувствовала на себе, когда преподаватель по импровизации учил нас сначала пользоваться только аккордовыми тонами. Очень развивает слушанье нот, и к тому же удивило, что клёвые фразы зачастую строятся именно на нотах арпеджио, а всё дело просто в ритмической организации.

  2. Да, эта статья как раз вышла к Великому Посту — про ограничения)))Ну а если серьёзно, то во многом ты прав, Денис. В музыке, искусстве большое значение имеют ограничения, достаточно вспомнить как изучается гармония в учебных заведениях — сначала ничего нельзя, потом постепенно всё можно. Ну ты меня понимаешь. Ну а в творчестве тем более, очень трудно удержаться на нужной, достаточной грани ограничения, чтобы к примеру не перегрузить ту же аранжировку излишествами («улучшениями»), и т.д. Спасибо, хорошая статья

  3. Уважаемый Денис. Я — профессиональный музыкант, не заканчивавший композицию. Меня интересует побольше любых тем, [которые, возможно, скорей всего, не приемлемы в эстрадной музыке, т.е.при сочинении песен (а я пишу академическую музыку)], заключённых в различные варианты гармонии, желательно с разъяснением. Можно было бы даже устроить форум-соревнование, кто-то даёт тему (естественно, оформленную: с размером, темпом, артикуляцией), а остальные участники пробуют её гармонизовать, и Вы. как третейский судья, указываете на возможные ошибки.

Добавить комментарий